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Q&A con el artista Kévin Bray: “No hay nada que ver si no hay una historia que contar”
"It is touched" (2019) by Kévin Bray

Q&A con el artista Kévin Bray: “No hay nada que ver si no hay una historia que contar”

Words Mirangie Alayon

Adentrarse en el trabajo del artista francés Kévin Bray es sumergirse en el cine, la pintura, el diseño gráfico y el diseño de sonido, a través de los cuales cuestiona la existencia de la imagen y sus modos de producción. En su trabajo, crea nuevas maneras de entender cómo se visualizan y manipulan la forma y el lenguaje de un medio en particular para aplicar esas reglas a otro medio: su interés radica en jugar con las posibilidades creadas por la confrontación y es a través de esta metodología que pretende abrir y diversificar un lenguaje y explorar los límites infinitos del arte.

La experimentación dentro de este proceso de creación también juega un papel importante en la práctica de Kévin, pues al dominar una variedad de herramientas y procesos, puede llevar dichas herramientas a lugares desconocidos, o como él mismo explica, “a una fase de crisis” y, a su vez, producir resultados inesperados. El trabajo de este artista nos ofrece una alternativa a lo que las creaciones digitales, el 3D o el glitch nos tienen acostumbrados a ver. Ubicado en algún lugar entre el mundo físico y el virtual, su fusión de técnicas crea narraciones impredecibles y excitantes.

Antes de su próxima exhibición en el MAMA: Showroom for Media and Moving Art de Rotterdam, para la cual nos dio un adelanto exclusivo en la imagen que usamos como portada de esta nota, conversamos con Kévin acerca de su concepto de ruptura con el proceso de creación; cómo usa sus herramientas técnicas de maneras distintas sin encerrarse en un método fijo, y por qué su trabajo se vería como el de Hyeronimus Bosch si hiciera óleos en la Edad Media.

"Armature d’absence" (2018) by Kévin Bray
“Armature d’absence” (2018) by Kévin Bray
"Eulbarak" (2019) by Kévin Bray
“Eulbarak” (2019) by Kévin Bray
"It is lost in its mind" (2019) by Kévin Bray in collaboration with Braulio Amado
“It is lost in its mind” (2019) by Kévin Bray in collaboration with Braulio Amado
"There is a face" (2018) by Kévin Bray
“There is a face” (2018) by Kévin Bray

“En general, las herramientas nos permiten producir. Sin embargo, también ordenan nuestra forma de crear. Así, al utilizarlos, pasamos a formar parte del ciclo de producción. Ser consciente de estas fuerzas y cambiar mi actitud hacia cada fase de producción se convierte casi en un acto político”.

¡Hola, Kévin! Por favor, preséntate a nuestros lectores y dinos qué te hizo convertirte en artista.

¡Hola! Mi nombre es Kévin Bray, soy un artista francés residente en Amsterdam. Desde muy temprano supe que quería hacer imágenes, tener ideas … Comencé a estudiar arte cuando tenía 15 años. Hubo un programa para jóvenes en Francia llamado Arts Appliqués que duraba tres años en donde se estudiaba arte y diseño, luego hice una licenciatura en diseño gráfico y dos maestrías más en diseño gráfico; uno en Francia y otro en Holanda. Todos esos años fueron importantes para mí, pero mi primera maestría ha sido un punto de inflexión en mi trabajo. Mi forma de abordar el diseño gráfico y mis proyectos se volvieron más autónomos y auto-reflexivos. Poco a poco cambié el diseño gráfico como medio para hacer arte (como escultura o pintura), y es algo que continué haciendo en mi segunda maestría en el Instituto Sandberg en Amsterdam. Me convertí en profesor hace unos 5 años en el KABK (Den Haag, Países Bajos) y sigo aprendiendo de y para mis increíbles alumnos, pero también para profundizar mi práctica.

Tu trabajo se siente como un híbrido monstruoso pero atractivo de filme, diseño gráfico y diseño de sonido. ¿Cómo evoluciona una de tus piezas desde que tienes la idea hasta el resultado final, y cuánto tiempo te lleva eso?

Ha evolucionado con el tiempo y sigue cambiando. Cuando estaba estudiando, había esta creencia (que aún existe) de que el concepto debería venir primero y luego la imagen, el formato, el estilo. Con el tiempo, comencé a comprender que el contenido podría ser la imagen que se crea casi espontáneamente. Esa imagen podría ser analizada y vista por horas hasta que comprendes lo que quisiste decir o lo que quieres ver en ella. De alguna manera se trata de enmarcar lo que falta en tu creación. A partir de eso, puedes volver a manipular tu proyecto para hacerlo más claro para tu audiencia o para ti mismo.

No me gusta omitir la parte conceptual de mi trabajo porque me llevó a algunos lugares increíbles, pero no creo que el concepto siempre deba estar en el punto de partida de la creación porque una idea puede surgir de “nuestro segundo cerebro”: nuestras manos. Aún así, lo que es seguro es que tengo predisposición a pensar en el tiempo y es por eso que estoy haciendo muchos videos. Aprendí mucho al escuchar música y conferencias de músicos, por lo que mi diseño gráfico se convirtió en imágenes en movimiento hasta que se convirtieron en videos, hasta que se convirtieron en videos musicales hasta que se convirtió en una serie en la que hago mis propias instalaciones, mis propia utilería y mi propio diseño de sonido. Me interesa cada vez más la cinematografía y la narratología y eso ha influido mucho en mis últimos proyectos.

En este momento, la mayoría de las imágenes que estoy produciendo están componiendo el guión gráfico de una serie de videos que comencé el año pasado llamada Morpher, historias sobre ser consumido. Estas imágenes son también la utilería de esta misma serie. La narrativa, el concepto y los símbolos en los videos se configuran de antemano, pero luego discuto las partes sustanciales de la producción: composición, gradación de color, texturas, edición, diseño de sonido. La parte más larga del proyecto podría ser tener una idea con la que me sienta bien. Una idea que siento es bastante estable conceptualmente. No sé cuánto tiempo lleva. Es un proceso de tomar notas, leer, dibujar, pero luego la creación de una imagen puede tomar dos días como máximo. Es realmente obsesivo. Me cuesta dormir si no está terminado. Un video de 4 minutos puede tardar alrededor de 3 semanas y aquí se complica en términos de ritmo de vida, ¡jaja!

Eres, por naturaleza, un artista experimental. ¿Cómo evitas ponerte límites cuando se trata de las posibilidades de los medios que utilizas?

La experimentación con herramientas juega un papel importante en mi trabajo. Realmente a menudo intento empujar esas herramientas hacia una fase de crisis. En general, las herramientas nos permiten producir. Sin embargo, también ordenan nuestra forma de crear. Así, al utilizarlos, pasamos a formar parte del ciclo de producción. Ser consciente de estas fuerzas y cambiar mi actitud hacia cada fase de producción se convierte casi en un acto político, ya que me obliga a romper los ciclos dogmáticos a través de los cuales creamos; los ciclos que dan forma a mi trabajo. Las herramientas de modificación o mi comportamiento hacia ellas no solo formalizan mi propio lenguaje: a un nivel meta, creo que la transformación de los procesos de producción y la alteración de sus narrativas nos obliga a cuestionar nuestra relación con la materialidad y la realidad.

"It must return" (2019) by Kévin Bray
“It must return” (2019) by Kévin Bray
"Is it silent?" (2019) by Kévin Bray
“Is it silent?” (2019) by Kévin Bray
"On its path" (2019) by Kévin Bray
“On its path” (2019) by Kévin Bray
"Its portrait" (2019) by Kévin Bray
“Its portrait” (2019) by Kévin Bray

“La Inteligencia Artificial se está desarrollando mucho en este momento y podría darnos nuevas y emocionantes posibilidades para crear y pensar de manera diferente sobre el arte y la artesanía”.

¿Hay algún trabajo particular de un artista que recuerdes haber visto que deseaste haber hecho?

Siempre me resulta difícil dar el nombre de un artista visual porque me gustan muchos de ellos y me inspiran, pero he aprendido a olvidarme de ellos cuando se trata de mi trabajo. Tiendo a concentrarme en los medios que son más difíciles de copiar o traducir visualmente como la música. Una actuación musical que hubiera deseado que fuera mía es uno de los performances de Asa-Chang y Junray. La forma en que logran fusionar elementos técnicos, tecnología, creatividad, referencias, poesía, arte y experimentación es absolutamente fantástica.

¿Cuál es la parte más emocionante de trabajar con las herramientas que tienes? ¿Cómo sería una pintura al óleo hecha por ti en la Edad Media?

Lo más emocionante de trabajar con las herramientas que tengo es que puede convertirse en todo y en nada al mismo tiempo. Todo lo que estoy haciendo en este momento es tanto una escultura como una pintura, un video, un archivo, un código. Lo más emocionante es que no hay nada que ver si no hay una historia que contar. Una pintura al óleo hecha por mí en la Edad Media se vería como El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch (¡o al menos eso me gustaría que pareciera, jaja!). Esta pintura es todo al mismo tiempo. Llena de proyecciones, pistas y posibles interpretaciones.

¿Cuál dirías que es la próxima frontera del arte digital, para ti y para todos los demás en los próximos años?

La próxima frontera del arte digital podría ser dejar de llamarlo arte digital, sino simplemente arte, jaja. A veces siento que le estamos dando demasiada importancia a las herramientas y no tanto a la creación y su significado. Leer una imagen no es tan fácil y también es lo más emocionante para mí. Uso el 3D porque puedo hablar con un determinado tipo de público y porque es una de las herramientas de mi generación, una herramienta que se usa en las imágenes para las que soy crítico, pero me gustaría que mi 3D se lea como una imagen en primer lugar, llena de referencias y una narrativa. Pero para responder más precisamente a la pregunta, supongo que la Inteligencia Artificial se está desarrollando mucho en este momento y podría darnos nuevas y emocionantes posibilidades para crear y pensar de manera diferente sobre el arte y la artesanía.

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